LA GUITARRA ELÉCTRICA: IMPORTANCIA PARA EL ROCK Y EL POP

Si bien, desde los años 60 las guitarras eléctricas son elementos destacados del Rock y el Pop, éstas nunca han dejado de ser instrumentos versátiles que pueden ejecutar acompañamientos y solos con gran expresión.

Más historia

La guitarra eléctrica se creó en Estados Unidos, durante el siglo XX. En búsqueda de un mayor poder de sonido, se creó el primer amplificador en 1920; de ahí en adelante fueron muchos los instrumentos que sufrieron alteraciones al diseño acústico tradicional y evolucionaron el diseño electrónico. La guitarra fue uno de los primeros instrumentos que se adaptaron para amplificarse de forma electrónica, y aunque fueron varios los pioneros que aportaron a esto, la primera guitarra inventada y fabricada se le puede atribuir a la marca Rickenbacker. Los primeros guitarristas de jazz veían que no tenían suficiente volumen para lucirse con el resto de los instrumentos de la banda, por lo que fueron quienes adoptaron estos instrumentos. Leo Fender esbozó la primera guitarra eléctrica sólida desmontable y con pocas piezas, para que los músicos no tuvieran problemas al tener que cambiar las piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la Fender Telecaster. Luego vendrían otros modelos y otras marcas como Gibson, ESP Guitars o las japonesas Ibanez, Jackson Guitars y Yamaha.

La guitarra en el jazz

Este instrumento fue rápidamente adoptado por grupos de jazz y blues. Su creación también permitió nuevos estilos musicales, como son el Rock y el Heavy Metal, donde se convirtió en el símbolo de estas nuevas corrientes musicales.

En los 90 surgió una marca famosa por sus modeladores de efectos y amplificadores y ha creado la línea de guitarras Variax. Esta guitarra, a través un micrófono ubicado en el puente establece la comunicación con un sistema modelador que contiene los sonidos de las más famosas guitarras acústicas y eléctricas. Además mediante un cable de red se pueden editar las afinaciones y sonidos mediante un computador. Es una guitarra de apariencia normal con la diferencia de que no posee micrófonos a la vista. Sus modelos son la Variax 300, 500 y 700, todas esencialmente poseen los mismos sonidos siendo la diferencia mayormente en el hardware. En el 2006 la fábrica incluyó en su diseño a un bajo de similares características.

En el 2007, la compañía Gibson lanzó una nueva guitarra llamada Gibson Robot Guitar que se afina a través de un complejo sistema electrónico, sin intervención del guitarrista. Esta guitarra promete revolucionar al medio por la comodidad ofrecida a los guitarristas: por ejemplo, no se necesitará distintas guitarras afinadas en diferentes tonos durante un concierto, sino tan solo una.

La amplificación es el proceso de multiplicar la señal eléctrica y hacerla audible por medios electrónicos. Este proceso se produce en varias etapas hasta llegar al altavoz que es el último eslabón de la cadena.

Los amplificadores que se suelen usar son los transistorizados para sonidos puros y para sonidos distorsionados (cuando la señal de entrada se usa para saturar la primera etapa de amplificación) los de válvulas en los estilos más rock o heavy.

Para la amplificación en público la toma puede realizarse directamente de la salida de guitarra, lo que daría una separación óptima respecto al resto de los instrumentos. La salida de la guitarra debe ir a la entrada de línea de la mesa, pudiendo suceder que la señal entregada sea muy débil y necesite una fuerte amplificación, en cuyo caso deberá encaminarse a la entrada de micrófono de la mesa. Puesto que la salida de la guitarra puede ser de alta impedancia (por ejemplo 10 kilo-ohmios), habrá que situar en funcionamiento el atenuador, PAD, de la entrada de micrófono de la mesa, lo que eleva la impedancia de entrada de ésta y reduce la fuerte ganancia del amplificador de MIC. Si esto no es suficiente, se puede utilizar un transformador reductor de impedancia (direct-box) que, por ejemplo, presente 50 kilo-ohmios a la salida de la guitarra y 600 ohmios al cable que va a la entrada de micrófono de la mesa este mismo transformador puede realizar la transformación de línea asimétrica a simétrica.

                                                                                                 Roberto Jorge Saller

NINO BRAVO: LA VOZ DEL POP ESPAÑOL

Nino Bravo fue un cantante español  nacido en Valencia, 1944 y fallecido en 1973, en Villarrubio. Es considerado hasta su temprana muerte como la mejor voz del pop nacional en el final de la década de los sesenta y principios de los setenta. Su estilo conquistó a un público extenso, no sólo por la alta calidad de su música, sino también por la potencia y belleza de una voz que le diferenciaba definitivamente de sus numerosos imitadores.

Desde los cuatro años creció en el barrio de Sagunto de Valencia. Admirador desde siempre de Luis Mariano tuvo sus primeros contactos con la música ligera cuando, de muy joven, formó parte del trío semi-profesional Los Hispánicos, para pasar después a integrar Los Superson, con quienes comenzó a actuar con cierta frecuencia en fiestas y locales de verano de la Comunidad Valenciana.

Realizó su presentación en el Teatro Principal de Valencia en marzo de 1969,  con un repertorio en el que destacaban versiones de los éxitos del momento, basadas principalmente en canciones de Tom Jones, Engelbert Humperdinck y John Rowles. Las buenas críticas recibidas le animaron a suscribir contrato por cinco años con el sello Fonogram, a razón de un fijo de cinco mil pesetas por canción grabada y un 4% de royalties de las ventas de sus discos.

El single del debut contenía dos temas del prestigioso autor Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento, aunque el éxito llegaría en el verano de 1970, con el tema Te quiero, te quiero, de Rafael de León y Augusto Algueró. Fue su primer número uno de ventas en España y una de las canciones más populares del año en toda Sudamérica. El éxito continuaría con Noelia, y en meses sucesivos su presencia comenzó a ser habitual en programas de televisión y festivales como el de Río de Janeiro o Atenas.

Tras la edición de su primer álbum en 1970, su popularidad creció de manera imponente. En 1972 comenzó a colaborar con el equipo de autores formado por José Luis Armenteros y Pablo Herreros, quienes le proporcionaron dos nuevos éxitos en su carrera, Un beso y una flor y Libre, temas compuestos especialmente pensando en las características de la voz del intérprete valenciano.

Justo en el momento en el que Nino Bravo alcanzaba su madurez como artista, un accidente de tránsito acabó con su vida en abril de 1973. La noticia trascendió más allá de su nutrido grupo de admiradores y le convirtió en un mito, cuyo prestigio se mantiene hasta la actualidad. Su canción América, América alcanzó de nuevo el número uno después de su muerte y, en adelante, las reediciones de sus grabaciones mantuvieron vivo su recuerdo.

A finales de 1995, su discográfica habitual publicó un álbum homenaje para celebrar el cincuenta aniversario del nacimiento del cantante. El compositor y arreglista Juan Carlos Calderón revisó los temas más populares del repertorio de Nino Bravo y gestó un álbum doble donde digitalizó veinticuatro canciones e hizo arreglos nuevos de otras seis que fueron incorporadas como duetos del artista fallecido y destacadas estrellas de la música española de los noventa. Los elegidos fueron Paloma San Basilio ("Te quiero, te quiero"), El Consorcio ("América, América"), Francisco ("Libre"), Javier Andreu de La Frontera ("Un beso y una flor"), Sergio Dalma ("Cartas amarillas") y Lolita ("Esa será mi casa").

El resultado tuvo tanto éxito que, dos años después, Calderón preparó un segundo volumen doble, Duetos 2, corrigiendo y aumentando su anterior revisión. Esta vez los duetos fueron siete y los elegidos para interpretarlos Eva Ferri, Marcos Llunas, Sandra Morey, el Dúo Dinámico, Mocedades, Raphael y María Conchita Alonso. Además Calderón compuso "Dicen", un homenaje in memoriam del músico desaparecido cantado por los artistas citados, salvo el Dúo Dinámico, a los que se añadieron Michelle y María Caneda. Como atractivo extra, este segundo volumen incluyó la recuperación remasterizada de dos temas poco conocidos de Nino Bravo: "Te amará" y "¿Quién eres tú?", que en su momento sólo se editaron en el antológico Grandes voces en español.

Más sincero y menos comercial pareció el homenaje que diversos paisanos de Nino Bravo le ofrecieron a finales de los noventa; sobre todo el grupo Seguridad Social con su versión rockera de Libre, o El Chaval de la Peca en una versión pop del mismo tema que también fue utilizada en un anuncio de televisión de una empresa de telefonía móvil.

SCORPIONS: EL MOMENTO DE LA CENSURA

Scorpions es una banda de heavy metal fundada en Hannover, Alemania, en el año 1965. Empezó por ser la primera banda de hard rock nacida en Alemania. Primero se llamaba Nameless, después cambiaron a The Scorpions hasta que a fines de 1969 deciden llamarse sólo Scorpions. 

La primera producción discográfica de la banda fue el vinilo Lonesome crow en 1972, con los hermanos Schenker en las guitarras con anticipación. Al año siguiente Michael Schenker se retira de la banda y en su reemplazo se integra el guitarrista Uli Jon Roth, para grabar los siguientes discos de la banda Fly to the rainbow en 1974, In Trance en 1975, Virgin Killer en 1976, Taken by Force en 1977. El sonido de la banda en la década de los 70's fue de un hard rock mezclado con heavy metal, con algunos toques de rock psicodélico y potentes vocalizaciones, logrando un sonido mucho más ruidoso y duro que el de los trabajos posteriores, ya inclinados a una corriente algo más comercial. El último trabajo de la época de Uli Jon Roth es el disco en vivo Tokyo Tapes de 1978.

Después de la salida de Roth, entró el guitarrista alemán Matthias Jabs, con quien se inicia el camino al mercado americano con el disco Lovedrive de 1979 obteniendo disco de oro. En la misma línea lo seguirían los discos Animal Magnetism de 1980, Blackout de 1982, Love at First Sting de 1984, Savage Amusement de 1988. Con estos trabajos demostraron un sonido más comercial, lo que les valió el reconocimiento a nivel mundial.

Luego en la década siguiente, los discos Crazy World y Face the Heat los elevó a la categoría de banda más exitosa, aunque vivieron el retiro de dos de sus integrantes: Herman Rarebell y Francis Buchholz. De todos modos supieron reinventarse para sacar los discos Pure Instict y Eye II Eye que demostraron un sonido renovado e incluso con toques más suaves dentro de su carrera. Ya en el nuevo milenio, el proyecto sinfónico Moment of Glory y el unplugged Acoustica los coloca en las listas nuevamente, como también los discos heavy rock Unbreakable de 2004 y Humanity: Hour I de 2007.

A lo largo de su carrera de más de 40 años, lanzaron docenas de singles, álbumes en directo, recopilaciones y algunos DVD en vivo y han recibido varios premios a nivel internacional, hecho que los convierte en la banda de hard rock más exitosa de Alemania.

Las ventas de la banda se sitúan entre los 100 y los 150 millones de álbumes en el mundo, de los cuales 10,5 millones han sido vendidos en los Estados Unidos.

A mediados del 2011, el grupo se ha propuesto distintos proyectos de despedida, entre ellos el disco de covers y de regrabaciones Comeblack lanzado en noviembre del mismo año. Además del DVD del concierto en vivo dado en Saarbrucken, Alemania lanzado también en 2011, sólo a través de Media Market y que se denomina Live 2011: Get Your Sting and Blackout en los formatos DVD, Blu-Ray y en 3D siendo una de las primeras bandas del rock en lanzar en este último formato.

En febrero de 2012 en el sitio oficial anunciaron la exposición especial de la banda en el Rock-Pop Museum en la ciudad de Gronau en Alemania, la que se llama Rock You Like a Hurricane. Una exposición que muestra los instrumentos, los discos de oro y platino, los regalos de los fanáticos, prendas de vestir, fotografías, filmaciones y la historia de la banda en un cine con última tecnología y en 3D.62 A continuación el anuncio del museo sobre la exposición:

La censura

Durante la extensa trayectoria de la banda, no ha estado ausente de problemas principalmente la censura de las portadas de sus discos. El primer trabajo que fue censurado es el disco In Trance de 1975, donde aparecía una mujer dejando al descubierto su seno, la polémica la armó el mercado estadounidense considerándola como indecente. Esta tuvo que ser cambiada para las ediciones posteriores cubriendo el seno con sombras. También la portada del disco Taken by Force de 1977 tuvo problemas, ya que en este aparecían dos niños con armas en un cementerio militar, esto fue considerado un insulto por los franceses (lugar en dónde se tomó la fotografía) lo que llevó a cambiar la portada por una que aparecían los integrantes del grupo en un fondo negro. Y la lista continúa pasando por los discos Lovedrive, Animal Magnetism, Love at First Sting, The Best of Scorpions, Pure Instinct, entre otras.

Eso sí la más recordada fue la polémica de la portada del disco de 1976, Virgin Killer, que incluso su sello discográfico RCA los obligó a cambiarla. Puesto que en la portada aparecía una niña desnuda, que fue criticada por su contenido indecente e incluso considerado pornográfico. La portada fue cambiada en las ediciones posteriores por una fotografía de la banda. Pero en 2008, volvió la polémica ya que la Internet Watch Foundation bloqueó la entrada del artículo en Wikipedia para los usuarios británicos. Sin embargo, 48 horas después, retiraron el bloqueo.

QUEEN Y EL ÍCONO DE SU VOCALISTA

Queen es una banda de rock instituida en 1970 en Londres por el cantante Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon. Por más que representan momentos críticos dos de sus miembros, Mercury fallecido en 1991 y Deacon retirado de la industria musical, la sociedad artística nunca se separó y el mundo los adora.

Compusieron un total de quince álbumes de estudio, cinco álbumes en vivo y numerosas recopilaciones. Desde la muerte de Mercury, los otros dos miembros May y Taylor se han presentado juntos ocasionalmente en eventos especiales y programas televisivos como músicos invitados junto a otros artistas y/o bandas. Desde 2004 hasta 2009, trabajaron junto a Paul Rodgers, bajo el nombre de Queen + Paul Rodgers. Con más de 300 millones de discos vendidos, Queen es uno de los conjuntos más exitosos de todos los tiempos; su primer álbum compilatorio, Greatest Hits, de 1981, es todavía el álbum más vendido en la historia del Reino Unido con 6 millones de copias en este país. Queen fue nombrado el decimotercer mejor artista de hard rock de todos los tiempos en una lista elaborada por VH1; además, en una encuesta realizada por la emisora BBC en 2007, más de 20 000 oyentes del Reino Unido eligieron a Queen como el mejor grupo británico de todos los tiempos.

Los miembros de la banda

BRIAN MAY nació el 19 de julio de 1947 en Middlesex, un barrio cercano a Londres, y junto con Roger Taylor es considerado el creador del conjunto musical. Parece ser que, por su elevado precio y por la escasez familiar de recursos económicos, no pudo adquirir una guitarra y, con la ayuda de su padre, logró fabricársela él mismo, la después denominada "Red Special", adaptando una caja de caoba maciza –sacada del marco de una chimenea- y los muelles del trémolo de una motocicleta usada. Años más tarde, en 1985, un modelo parecido fue comercializado con el nombre de "BBM1".A los veinte años ingresa en el Imperial College, de Londres, para estudiar Física. En el tablero de anuncios de la escuela muestra su deseo de ponerse en contacto con otros jóvenes músicos, y su demanda es respuesta por el batería Roger Taylor y el cantante y bajista Tim Stafell. Con ellos formó el grupo "Smile", precursor de Queen.

ROGER TAYLOR nació el 26 de julio de 1949 en Kings Lynn, Norfolk (Gran Bretaña). Después de varios intentos por formar una banda con éxito, Roger volvió a la universidad con intención de formar otra banda. A principios de otoño, Les Brown vio el anuncio del Imperial College que solicitaba un "bateria del tipo de Ginger Baker/Mitch Mitchell" para una banda nueva. Le pasó la información a Roger, el cual se apuntó. Brian May, Tim Staffel y Roger se hicieron muy amigos. En 1969, a través de Staffel, conoce a Freddie Mercury, un joven que comparte la vivienda con aquél, y entre los cuatro darán vida al grupo Queen.

FREDDIE MERCURY nació en Zanzíbar (Tanzania) el 5 de septiembre de 1946. Su padre era diplomático, pero el ambiente familiar no evitó que tuviera un carácter extraño e introvertido. Poco antes de formar parte de Queen, de cuyo nombre fue responsable, cambió su apellido por el de Mercury, con referencia al Mercurio griego, el enviado de los dioses del Olimpo. También a él se debe el diseño del logotipo de Queen, una especie de escudo nobiliario en el que aparecen dos leones, dos ninfas y un cangrejo, figuras inspiradas en los signos del zodíaco de sus cuatro componentes. Influenciado por Led Zeppelin y Jimi Hendrix dedica, junto con sus compañeros, todo el año 1970 a componer y ensayar, actuando en ocasiones excepcionales y siempre en reuniones privadas.

JOHN DEACON nació el 19 de agosto de 1951 en Leicester (Gran Bretaña). Era bajista y fue el último componente que ingresó y completó el grupo Queen. En 1971 Queen estaba buscando un bajista. Unos amigos de John le presentaron a Brian y Roger, los cuales eran miembros de una banda, Queen, que John había visto con anterioridad. Le preguntaron a John si le interesaría hacer una prueba para entrar en la banda como bajista. Unos días después John hizo la prueba, y otros días más tarde, le llamaron para decirle que le aceptaban. A finales de febrero de 1971, John Richard Deacon se convirtió en el cuarto y definitivo miembro de la banda radicada en Kensington que se llamaba Queen.

                                                                                                         Roberto Jorge Saller

LA ÓPERA: SU NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN

La ópera es una obra teatral que tiene como característica principal el canto. En ese sentido, todo el libreto y sus diálogos deben ser cantados aunque admite textos hablados en ocasiones. Los cantantes son acompañados por una orquesta que embelesa con la música. La ópera está relacionada con otros géneros teatrales como la opereta, el musical y la zarzuela.

La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI. Podría ser una evolución de los madrigales italianos, que consistían en escenas con diálogo acompañadas con música. Cuando nació, la ópera se consideraba principalmente como una forma literaria, siendo la música sólo una añadidura. Los compositores del ejército  comenzaron a buscar un lenguaje musical que expresara apropiadamente los textos que acompañaban. Además, los músicos asociados con estudiosos deseaban revivir el drama de la Antigua Grecia y su estilo musical. La ópera se hizo muy popular en Italia, especialmente en Venecia y Roma. A fines del siglo XVII surgió la ópera napolitana que con una música melodiosa y entretenida logró expandirse por casi toda Europa en el siglo XVIII. El éxito de la ópera se debe a que las personas estaban acostumbradas a oír música religiosa y especialmente en latín. La ópera trajo nuevos temas cotidianos como el amor, temas sociales, temas cómicos y satíricos en el caso de la ópera cómica y bufona. Hoy, todavía hay muchos que disfrutan de las óperas, pero se ha visto una disminución del público debido a que hay in interés mayor en las corrientes más modernas.

La ópera contiene elementos del teatro, como la escenografía, vestuario, maquillaje y actuación del libreto, que como se mencionó anteriormente, en lugar de hablarse, se canta. Además, las actuaciones tienen un acompañamiento instrumental, que a veces es una orquesta completa, logrando que los sentimientos que se quieren expresar sean más intensos. Los cantantes líricos destacan por sus voces y según sus registros están clasificados desde el sonido más agudo al más grave, como: sopranos, mezzosopranos y contraltos, en mujeres, y tenores, barítonos y bajos, en hombres.

Cantantes

Las primeras representaciones operísticas fueron demasiado infrecuentes como para que los cantantes pudieran vivir exclusivamente del estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir intérpretes profesionales.

El rol principal de héroe masculino era usualmente confiado a un castrato, y ya en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se presentaba en toda Europa, los castratos principales, que poseían un extraordinario virtuosismo vocal, tales como Senesino y Farinelli, se convirtieron en estrellas internacionales.

La carrera de la primera gran estrella femenina (o prima donna), Anna Renzi, data de mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, un número de sopranos italianas ganaron renombre mundial y frecuentemente se enredaban en feroces rivalidades, tal el caso de Faustina Bordoni y Francesca Cuzzoni, quienes comenzaron una pelea a golpes durante una representación de una ópera de Handel.

Los franceses no gustaban de los “castrati”, preferían que sus héroes fueran interpretados por un haute-contre (tenor alto), de los cuales Joseph Legros fue un ejemplo destacado.5

En el siglo XIX hubo una figura femenina de gran éxito comercial para los parámetros de la época, María Malibrán, para quién algunos compositores reconocidos como Félix Mendelssohn realizaron piezas. Contaba con una amplio registro de casi 3 octavas.

El siglo XX se inicia de la mano del que muchos consideran el mayor tenor y del cual se cuenta con registros fonográficos, el italiano Enrico Caruso, quien triunfó en los principales teatros de ópera en Europa, así como en Nueva York y Buenos Aires y fue el primer artista en vender 1 millón de copias de una grabación en disco.

Otra figura importante fue la cantante conocida artísticamente como Maria Callas, cuya fama trascendió el ámbito musical al mundo de la política y la farándula. Más voces femeninas importantes de la segunda mitad del siglo XX son la cantante sueca Birgit Nilsson, Renée Fleming, la estadounidense Jessye Norman, Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Victoria de los Ángeles, Renata Tebaldi, la búlgara Ghena Dimitrova, Kiri Te Kanawa (quién canto en la boda del Príncipe Carlos con la Princesa Diana y se calcula que dicha presentación fue vista por 600 millones de espectadores por televisión), Cecilia Bartoli, Katheleen Battle, Angela Gheorghiu, Diana Damrau, Natalie Dessay y Anna Netrebko.

EL VIOLÍN Y SUS ESPECIALES CARACTERÍSTICAS

El violín es instrumento de cuerda frotada, el más agudo de su familia. Otros miembros de esta familia son la viola, el violonchelo y el contrabajo. El arco es una vara de unos 30 cm de largo con una cinta de crines de caballo que va de lado a lado del mismo y con la que se frotan las cuerdas. El violín tiene cuatro cuerdas afinadas por quintas: sol 3, re 4, la 4, mi 5.

En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa de lauchón. Hoy pueden ser también de tripa enroscada con aluminio, plata o acero.

Sus partes principales son la tapa, normalmente de abeto, el fondo de arce, los aros, el mango, el diapasón, el clavijero, la voluta, el puente, el cordal y las aberturas de resonancia o efes. La tapa, el fondo y los aros están pegados para formar una caja hueca de resonancia. Ésta contiene el alma, una barrita de madera colocada entre la tapa y el fondo, debajo y a la derecha del puente, y la barra armónica, un listón fino de madera pegado en el lado contrario del alma, a lo largo de la tapa. Los dos elementos son importantes para la transmisión del sonido. Además proporcionan un apoyo adicional a la estructura. Las cuerdas van desde el cordal, por encima del puente y del diapasón, hasta el clavijero, donde cada una se ajusta con una clavija de afinación. El instrumentista consigue diferentes notas pisando con los dedos de la mano izquierda las cuerdas contra el diapasón. Éstas vibran cuando el arco, formando un ángulo recto cerca del puente, las frota.

Entre las características más valoradas del violín se lucen su capacidad melódica y su agilidad, que le permiten interpretar pasajes brillantes y melodías bellas. Los violinistas pueden también crear efectos especiales por medio de las siguientes técnicas: pizzicato, pulsando las cuerdas; tremolo, moviendo el arco rápidamente atrás y adelante sobre la cuerda; sul ponticello, situando el arco casi encima del puente para producir un sonido delgado y cristalino; col legno, tocando con la vara del arco en vez de con la cinta de crin; armónicos, pisando las cuerdas sin que toquen el diapasón, con lo que se consigue un sonido agudo y aflautado y glissando, al pasar los dedos de la mano izquierda a lo largo de la cuerda para producir una afinación ascendente y descendente.

Este instrumento surgió en Italia a comienzos del siglo XVI. Parece haber evolucionado a partir de dos instrumentos de cuerda frotada: la fídula y la lira da braccio. También relacionado con el violín pero no un antecedente directo, es la viola da gamba, instrumento de seis cuerdas con trastes que apareció en Europa antes que el violín y existió junto con él durante unos 200 años.

Comparado con los instrumentos modernos, el violín antiguo tenía un mango más grueso, menos inclinado hacia atrás, un diapasón más corto, un puente más bajo y cuerdas hechas sólo de tripa. Los arcos antiguos eran algo diferentes en su diseño de los actuales. Estas características constructivas fueron modificadas en los siglos XVIII y XIX para producir un sonido más duro y brillante. Varios violinistas del siglo XX han restaurado y empleado instrumentos del siglo XVIII por considerarlos más adecuados para interpretar la música antigua.

En el pasado el violín no gozaba de muy buena reputación; se lo utilizaba para acompañar danzas o para doblar a las voces en la música polifónica. A comienzos del siglo XVII aumentó su prestigio al ser utilizado en óperas como Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi, e impulsado por la orquesta del rey francés Luis XIV, los 24 violins du roi, formada en 1626. Esta tendencia continuó durante el barroco con obras de importantes compositores e intérpretes como Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi y Giuseppe Tartini en Italia y Heinrich Biber, Georg Philipp Telemann y Johann Sebastian Bach en Alemania. El violín se convirtió en el principal integrante de las obras instrumentales: el concierto a solo, el concierto grosso, la sonata, la trío-sonata, la suite y la ópera. A mediados del siglo XVIII era uno de los instrumentos solistas más populares de la música europea. También formaban la sección más importante de la orquesta, con más de la mitad de sus integrantes. La agrupación instrumental de cámara más desarrollada de este periodo, el cuarteto de cuerdas, está formada por dos violines, viola y violonchelo.

Muchos compositores se dedicaron a componer piezas hasta hoy. En ese sentido, encaja perfectamente en diferentes tipos de ensambles, incluso en la  música actual.

JUAN SEBASTIÁN BACH: EL REY DE LAS CANTATAS

Juan Sebastián Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach (Turingia). Su familia pertenecía a una extensa tradición musical y ha dado a lo largo de varias generaciones una buena cantidad de músicos. Durante doscientos años, los antepasados de Bach ocuparon múltiples cargos municipales y cortesanos como organistas, violinistas cantores y profesores, aunque ninguno de ellos llegó a alcanzar un especial renombre. No obstante, su apellido era en Turingia sinónimo de arte musical.

Bach siguió muy pronto la tradición familiar. Su padre comprendió rápidamente que era un niño especialmente dotado y dedicó mucho tiempo a su enseñanza. La casa paterna era modesta, sin llegar a la pobreza y, por supuesto, estaba embebida de una profunda religiosidad y entregado a la música. Cuando el compositor cumplió los nueve años murió su madre y, como era frecuente en la época, el viudo volvió a casarse a los pocos meses para poder afrontar el cuidado de sus hijos. Pero tres meses después de la celebración de su segundo matrimonio, el 20 de febrero de 1694, también murió el padre de Bach y la viuda solicitó ayuda al hijo mayor de su marido, Christoph, ya entonces organista en Ohrdruf, quien se hizo cargo de sus dos hermanos más pequeños, Johann Jacob y Johann Sebastian, acogiéndolos en su casa y comprometiéndose a darles la obligada formación musical.

Bach era aplicado e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por el latín, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter, y por la teología. Estas materias, amenizadas por una intensa educación luterana, acabarían por influenciar completamente ensu personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos de su creación. El propio Johann Christoph, que había sido discípulo de Pachelbel, se convirtió en maestro de órgano de su hermano.

Christoph no parece que se diera plena cuenta de la genialidad de su hermano menor si es que consideramos la famosa anécdota transmitida por el propio Bach a su hijo Carl Philipp Emmanuel: Johann Christoph prohibió al niño estudiar un libro que contenía las más famosas piezas para clave de su tiempo, libro que Bach logró transcribir a escondidas, de noche y a la luz de la luna. Descubierto el hecho, Johann Christoph destruyó la copia.

Obras

En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (c. 1707), además compuso obras para órgano y clavicémbalo. Entre 1717 y 1723 ejerció como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos para el estudio de la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado (I, 1712; II, 1742), las Invenciones (1722-1723) y el Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, 1713-1717).

Tras un año de la muerte de su mujer en 1720, se casó con Anna Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior esposa. En 1723 se radica en Leipzig, ciudad donde vivió ya hasta su muerte.

Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica no le satisfacía por las disputas continuas con miembros del consejo municipal. Las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso, destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. La Pasión según san Juan y La Pasión según san Mateo también se escribieron durante su estancia a diario en Leipzig, al igual que su Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema.

Legado

En la biblioteca municipal de su ciudad se conservan aún los antiguos legajos que contienen las listas de exequias realizadas en el siglo XVIII. Uno de estos viejos papeles informan de manera concisa el siguiente hecho, en apariencia banal: "Un hombre de sesenta y siete años, el señor Johann Sebastian Bach, en la escuela de la Iglesia de Santo Tomás, fue enterrado el día 30 de julio de 1750". La modestia y simplicidad de esta inscripción, escondida entre otras muchas tan insignificantes como ella, nos parece hoy incomprensible al considerar que da fe del fallecimiento de uno de los más grandes compositores de todos los tiempos y, sin duda alguna, del músico más extraordinario de su época.

Roberto Jorge Saller